Julia Geröcs

In der für das Arsenic, Lausanne, und das Théâtre de l’Usine, Genf, entwickelten Performance, erzählt Léa Katharina Meier die «Grosse Geschichte der Reinlichkeit» aus der Perspektive ihrer schmutzigsten Winkel. Mithilfe von Text, Tanz, Musik, Video und Textilarbeiten bietet sie ein schonungsloses, clowneskes Schauspiel, im Verlaufe dessen sie in die abgründigsten Rollen schlüpft und das verkörpert, was gemeinhin als monströs, abstossend und lächerlich gilt. Mit dieser lustvollen «auto-démolition» will die Künstlerin ihre eigenen Wünsche sowie allgemeine Normen hinterfragen und im selbstgewählten Durchleben von Scham und Unwohlsein einen befreienden Heilungsprozess anstossen.

Léa Katharina Meier

Pavel Aguilar nutzt eine alte indigene Technik, wenn er Muscheln zu Blasinstrumenten umgestaltet und sie erklingen lässt. Das Muschelhorn ist Teil der Kultur der Garifuna. Diese afro-indigene Bevölkerungsgruppe wurde 1796/97 von der karibischen Insel St. Vincent vertrieben und lebt heute weit verstreut, jedoch verbunden durch ihre musikalische Praxis. Diese Kultur ist bedroht, genauso wie die Küsten und die Meere, mit denen sie natürlich verbunden ist. Mit einer Symphonie von eindringlichen Muschelklängen will der Künstler Gemeinschaft herstellen und den «Geist der Meere» heraufbeschwören, der auch unsere Landschaft einst umwehte, wie Pavel Aguilar festhält.

Pavel Aguilar

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trinken Jeanne Jacob und Cornelia Nater an einem Gartentisch mit aufgemaltem Mühlespiel Tee. In ihrer Performance richten sie Fragen an das Publikum, an sich selbst und ihr Gegenüber: Was wird hier gespielt? Wer gewinnt und wer verliert? Wobei der Titel andeutet, dass dies mit einem Augenzwinkern geschieht. Der gesprochene Text handelt vom Spielen um des Spielens Willen, der Symbiose zwischen Pilzen und Bäumen, der Begegnung am Küchentisch und der Kunst auf Rädern zu gehen. Untermalt wird das Gespräch von elektronischem Sound, eingespielten Tonaufnahmen und Videos, die die unterschiedlichen Erzählstränge zu einer dichten multimedialen Collage verbinden.

Collectif les Heureuses

Leo Hofmann & Benjamin van Bebber

Californium248

Es heisst, die dämonische Południca suche in der Mittagsstunde Feldarbeiter*innen heim und verwickle sie in gefährliche Dialoge. Der slawischen Folklore entliehen, fungiert die Sagengestalt hier als Schnittstelle zu zeitgenössischen Ängsten, zu unserem ökologischen und sozialen Unbehagen. In der Verknüpfung von Text, installativen Elementen, Video sowie einer digitalen Doppelung entsteht ein zugleich archaisches wie futuristisches Setting. Darin entspinnt sich eine hybrid-fluide Erzählung, die vermeintliche Gegensätze wie Subjekt und Umgebung, Natur und Technologie, real und digital verschwimmen lässt.

Dorota Gawęda & Eglė Kulbokaitė

Anne Rochat

Christophe Jaquet

 versammelt Natalie Portman eine Gruppe von Figuren aus Theaterstücken. Die Schauspieler:innen, die diese Rollen aktuell an verschiedenen Schweizer Theaterhäusern verkörpern, tauchen beiläufig am Performancepreis Schweiz im Kunstmuseum Luzern auf und mischen sich unters Publikum. Die Figuren werden aus ihrem Ursprungskontext herausgelöst, sodass neue spekulative Beziehungen und assoziative Geschichten entstehen. In ihren Kostümen nicht immer eindeutig als fiktive Charaktere erkennbar, verschwimmen die Grenzen zwischen Publikum und Performer:innen. Das Publikum jeder Kulturveranstaltung zeichnet sich durch spezifische performative Aspekte aus. Natalie Portmann hebt deren jeweilige Eigenschaften hervor, indem sie das anwesende Publikum in die fiktiven Universen der Figuren und die von ihnen verkörperten professionellen Milieus (hier die Schweizer Theaterlandschaft) eintauchen lässt.

Natalie Portman 

Domenico Billari

Dorothea Schürch

«AS LONG AS I CAN BE A SCULPTURE, I DON‘T WANNA DIE», 2021

In der für die Lokremise entworfenen Performance arbeitet Lika Nüssli mit Marc Jenny und seinem «Soundwalker» zusammen. Während sie mit ihrem Körper das Materielle bearbeitet, fängt er die Geräusche ein, verändert sie und spielt sie in den Raum zurück, wo die Klänge wiederum zu Impulsen für die Performerin werden. So führt die Künstlerin Bewegung, Narration, visuelle Gestaltung und Sound zu einem immer dichteren Konglomerat zusammen, das nach Form und Auflösung strebt. Inhaltlich erzählt die Arbeit vom Alltag und Feminismus, von Natur und Kunst, von Farben, Leere und dem Verschwinden in einem tragbaren Loch.

Lika Nüssli

Iris Baumann

Nils Amadeus Lange & Janet Haufler

Annina Machaz & Mira Kandathil

I would like to argue that marriage is a ritual of transition that recognises interconnectedness as a mode of getting a life. The subjects or actors remain unchanged both internally and externally, their genetics and bodily functions persist unaltered, their physical appearances remain the same and linked to an ongoing being with style. If the change cannot be physically defined or identified it must be a metaphysical shift, one that has to do with getting a life and becoming the one living that life. The transitional shift takes place in the minds of the subjects, their pledged allegiance to a coded existence that defines the life they are getting. The shift takes place in the perspective of their peers, which we will call the audience, those that bear witness, who make up equally the community at large. The audience is called upon to collude in supporting the actor’s choice of togetherness, to bind them in their minds in a ritual of transition.

Garrett Nelson

Quynh Dong

PRICE (Mathias Ringgenberg)

Camille Alena

Raphaëlle Mueller

Als Personifikation des Todes führt Johanna Kotlaris durch die Räume des Kunstmuseums Luzern, versucht sich in ein menschliches Dasein einzufühlen und sich dieses anzueignen. Die Figur verstrickt das Publikum in ihre Auseinandersetzung mit Verlust, Aufbruch, Veränderung und der Unvermeidbarkeit des Endens: Wie strukturieren sich die Zyklen von Werden und Vergehen? Inwiefern lassen sich die Geschehnisse in unserem Leben beeinflussen und gestalten? Und was hat es mit dem Mythos der Unsterblichkeit auf sich? Die Reflexion der eigenen Rolle sowie Textfragmente aus Erzählungen über das Sterben und die damit einhergehenden Neuanfänge mischen sich mit Gesang, Sound und Bewegungssequenzen zu einem zeitgenössischen Totentanz. Die für den Performancepreis Schweiz entwickelte Arbeit 

 entstand in Kollaboration mit den Performerinnen Hannah Mehler und Marie Popall. 

Johanna Kotlaris

Julie Semoroz

Jérôme Leuba

Steven Schoch

Jeremy Nedd

«Contemplations» ist Teil eines Werkzyklus, der auf eine Künstlerresidenz mit Elke Mark zurückgeht. Es handelt sich um Anschauungs-Stücke, die Erkenntnis in der vertieften Konzentration suchen. Diese Erkenntnis erfolgt jedoch nicht auf rein geistiger Ebene, sondern über Bewegung und physische Einfühlung, über die Wahrnehmung des Rhythmus von Raum und Zeit, über die Resonanz verschiedener Körper und das Abtasten der Atmosphäre. Neben der körperlichen Präsenz nutzt die Künstlerin die Stimme laut und wortbildend, um in dieser «Contemplation» ihre «Arm-Fransen» oder «Herz-Tentakel-Antenne-Greifer» zu ergründen.

Monica Klingler

Ultra

Martina-Sophie Wildberger

Mio Chareteau

besteht aus Videoaufnahmen, Field Recordings und Textfragmenten, die Francesca Sproccati während zweier Reisen sammelte. Mit dem Jungfraugletscher und Neapel hat sie zwei ganz unterschiedliche
Klanglandschaften durchquert. In Zusammenarbeit mit der Künstlerin Elena Boillat, dem Musiker und Komponisten Adriano Iiriti, der Dramaturgin Rosa Coppola und mit der Unterstützung von Alan Alpenfelt und Camilla Parini entwickelte sie ein Live-Set in einem installativen Setting: Loops und Variationen des Ausgangsmaterials bestimmen die multimediale Choreografie und erzeugen einen intimen Raum, worin das Zuhören, die eigene körperliche Anwesenheit und individuelle Assoziationskraft ins Zentrum der Aufmerksamkeit rücken.

Francesca Sproccati 

Ramona Altschul & Martina-Sofie Wildberger & Jeanne Macheret

Nicolas Cilins & Tina Smoljko

Gisela Hochuli

Judith Huber

Gregory Hari

Genauso wie der Körper normativen Vorstellungen untersteht, ist auch die Stimme gebändigt, sie dient kaum mehr dem direkten Ausdruck. Insbesondere die weibliche Stimme erfuhr eine Abwertung als schriller Schrei wilder Furien und moralloser Hysterikerinnen, als irrationale Äusserung, die durch eine männliche Ratio zu kultivieren ist. In dieser Performance untersucht die Künstlerin die körperliche Bedingtheit der Stimme, wie Bewegung, Haltung oder Atmung ihren Klang verändern, aber auch wie sich Stimme zum Klangraum verselbständigt. Sie lässt die unterdrückte weibliche Stimme ihr volles Potential ausschöpfen.

Lara Dâmaso

Florence Jung

Berta Koch

Klänge, Körpergedichte, Sprechakte und Songs greifen als installativ bewegte Performance ineinander und übersetzen Denk- und Aktionsbewegungen in den Raum. In einem poetisch-diskursiven Reigen wird das 1998 verfasste feministische Pamphlet mit dem Titel «Erstes Manifest grosser und angesehener Künstlerinnen» aufgegriffen und in seinen 17 Punkten auf die heutige Gültigkeit und Brisanz untersucht. Wie haben sich die Werte rund um Frauen*, Kunst, Geld und Macht gewandelt? Ästhetische und kollektive Praktiken sowie Materialisierung und Versprachlichung begreifen die Künstlerinnen als «Fundament für Gedankenblitze und Quantensprünge».

Manifesto Reflex Collective

Die Verkostung von Whisky ist ein komplexer Prozess, der neben dem Geschmack auch andere Sinne einfordert, denn dieses Kulturgut vermittelt viele Nuancen, die sich aus Konventionen und Traditionen speisen. Anaïs Wenger sammelte eine ganze Reihe von Erzählungen und Legenden von Menschen, die sie in Destillerien und Whisky Bars in der Schweiz, in Irland und Schottland angetroffen hat und teilt diese mit ihrem Publikum — eine erzählerische Fortführung, die wiederum neue Geschichten erzeugt. Mit ihrer Verkostung im Rossstall der Kaserne Basel hinterfragt sie das Werteschema von «savoirs» und «saveurs» in Bezug auf das ökonomische Prinzip der Anreicherung, bei welchem der Wert von Warengütern potentiell steigt, sofern diese mit einer bestimmten Geschichte und Tradition versehen werden, womit zugleich neue gesellschaftliche und soziale Rollenverhältnisse geschaffen werden.

Anaïs Wenger

Antoine Guay & Jony Valado

Ramaya Tegegne

Nagi Gianni

Nino Baumgartner

Anne Rochat & Gilles Furtwängler & Sarah Anthony

Sarina Scheidegger

San Keller

Leo Hofmann & Nicolas Berset & Oliver Stein & Peter Färber

Alexandra Bachzetzsis

Lilian Frei

Dorothea Rust

Martin Chramosta

Marion Ritzmann

Renata Burkhardt

Romy Rüegger

Al-Fatlawi and Al-Ameri’s performances over the past 14 years all start from the same basic premise. They look for material that can combine with other substances or local conditions to create unique images. For these artists, performance art is a dynamic and experimental practice that can produce rich and unpredictable results. Their work is sustained and renewed by the vast array of available material, variations of time and place, and diverse themes. In another art form these perspectives would not be possible. Their performances work to produce images in the moment, without translation into words. Images, moments, change, passing through a place and remaining in memory give form to their practice, and are the elements they hope will communicate to viewers. Their performance images address the audience’s emotions rather than their intellect, making a pure exchange possible.

Die beiden aus dem Irak stammenden Performer wählten für ihre Arbeit ein bühnenartiges Setting, in dem sie dem Publikum gegenüber standen und agierten. Ihre Performance begann damit, dass einer der Künstler sich einen Laib Brot mit durchsichtigem Klebeband vor den Bauch band und das Publikum direkt ansprach. Er sprach Arabisch mit einigen Einsprengseln von englischen Worten, die uns erahnen liessen, dass es um eine Narration über Grenzen im mittleren Osten ging. Währenddessen bewegte sich der zweite Performer im Raum, schrieb oder zeichnete mit weisser Farbe auf die weisse Wand, stellte Soldaten-Figürchen auf Holzklötzchen. Zwischen den Parallelaktionen der beiden Performer entspann sich eine Geschichte, die unter anderem auf der Umfunktionierung von alltäglichen Gegenständen und Materialien basierte. Die Zeichenhaftigeit der Aktionen changierte zwischen Bedeutungsaufladung und Sinnentleerung. Zum Abschluss der Performance streckte einer der Künstler seine zuvor in weisse Farbe getauchte Hand einer Frau aus dem Publikum zum Handschlag entgegen. Diese mochte darauf nicht eingehen. Ein junger Mann aus dem Publikum beendete die Performance, indem er aufstand und den Handschlag annahm.

Urnamo

Lou Masduraud & Antoine Bellini

Sandra Knecht

Latefa Wiersch, Rhoda Davids Abel & Dandara Modesto

Latefa Wiersch, Rhoda Davids Abel und Dandara Modesto entwickeln aus Text, Gesang und performativen Objekten eine spekulative Erzählung, die sich aus ihren jeweiligen lückenhaften Biografien sowie den Kultur- und Kolonialgeschichten indigener afrikanischer und afrodiasporischer Bevölkerungsgruppen speist. Ein verbindendes Motiv sind Gesten des Umkehrens und Zurückschauens, die für ein Sehnen und Trauern um die verlorene Heimat stehen. Diese finden sich zum Beispiel in der Legende des vom Krieg betroffenen Volkes der Nama im südlichen Afrika: Im Mythos verwandeln sich die Geflüchteten in Mischwesen zwischen Baum und Mensch. „Halfmens“ (dt. „Halbmensch“) bezeichnet auf Afrikaans eine Pflanze, deren Silhouette an menschliche Figuren erinnert. Daran angelehnt entstanden hybride Spielfiguren, die mit den Körpern der Akteurinnen in wechselnden Konstellationen zu verschmelzen scheinen. Diese Figuren verweisen auf die politische Dimension von weiblichen Körpern of Colour und werfen Fragen zu Sichtbarkeit, Repräsentation und Formen der Ermächtigung auf.

Gregory Stauffer & Tarik Hayward

Manuel Scheiwiller

Angela Marzullo

Das geophysikalische Phänomen des erratischen Blocks bezeichnet ortsfremdes Gestein, das durch Gletscher oder die Gezeiten verschoben wurde. Die auch als Findlinge bekannten Steinbrocken dienen Milda Lembertaitė & Amelia Prazak als Sinnbild, um vielschichtige Fragen zu Identität, Zugehörigkeit, Verortung und Transit zu thematisieren. Die daraus entstandene Performance 

ist als Videoessay konzipiert, worin die Künstlerinnen Screens gleichzeitig als Requisiten, Prothesen sowie Bildträger einsetzen und so auf die Verwobenheit des menschlichen Körpers mit medialen Geräten verweisen. Die Suche nach Heilung und Reinigung zieht sich durch die Erzählung und findet ihren Ausdruck im fliessenden Wasser, das Körper, Gestein und Geräte durchströmt.

Milda Lembertaitė & Amelia Prazak 

Dawn Nilo

Davide-Christelle Sanvee

Philippe Wicht

Silvia Isenschmid

Katja Schenker

Lauren Huret

Melissa Tun Tun

Darren Roshier

Getroffen-werden. Anleitung zu praktischen Übungen

Treffen können uns die unterschiedlichsten Dinge: ein Schlag, eine Geste,
ein herabfallendender Ast. 

 knüpft an vorangehende Performances an, worin Claudia Grimm in Zusammenarbeit mit DARTS Strategien für den Umgang mit dem Getroffen-werden präsentiert. Dafür orientiert sich die Künstlerin an How To- oder Survival-Tutorials – Gebrauchsanweisungen, wie wir sie aus dem Internet kennen – und reflektiert deren Vokabular und Demonstrationsmodus. Ausstaffiert mit einer improvisierten Schaumstoffmontur, einem Schutzwall-Kit und wortgewandten Verteidigungsstrategien trotzt Claudia Grimm angreifenden Pfeilen, Steinen oder Sinneseindrücken. Die kommentierten Übungen sollen dazu befähigen, dem Getroffen-werden tapfer und beherrscht zu begegnen.

Claudia Grimm

«Theodora or The Progress: A RESOLUTION», 2021

Im Rahmen des Projektes «Theodora or The Progress» beschäftigt sich Alpina Huus im Namen der oströmischen Kaiserin Theodora – und vielleicht frühesten Feministin – mit der Macht des Unbewussten und mit Strategien des Empowerments. Erzählt wird die Geschichte einer Metamorphose vom Menschen zum Hund. Dieser Transformationsprozess bedeutet den Verzicht auf Sprache, Überlegenheit und kulturelles Wissen. Was bleibt, ist eine vorkulturelle Intuition, die es jenseits intellektueller Versuche schaffen soll, normatives Denken herauszufordern und Ungleichheiten zu entlarven.